Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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miércoles, 17 de enero de 2018

La verdadera historia del "Libre" de Nino Bravo



Por casualidad supe  del verdadero mensaje de la canción "Libre" de Nino Bravo y el caso es que aun siendo antes muy apreciada por mí, desde entonces me gusta más si cabe.  Si no conoces la historia y sigues leyendo tampoco será la misma canción para ti cuando termines. 

La canción "Libre" está inspirada en la historia de Peter Fechter, un jovencito de poco más de 18 años, "casi veinte", que fue el primer alemán que intentó saltar en 1962 el recién estrenado muro de Berlín. Llegó al muro acompañado de un amigo, Helmut Kubelik, que por suerte si llegó rebasarlo, pero Peter, una vez que "extendió sus alas" y se encaramó al mismo, recibió el alto de los soldados soviéticos, pero como dice la canción "marchaba tan feliz que no escuchó la voz que le llamó" y de esta manera, al no ser atendido el alto, dispararon sobre el joven que fue alcanzado por varios disparos y cayó del muro en lo que se denominaba "zona de nadie". Allí quedó tendido a la vista de todos, ciudadanos, periodistas y militares, pidiendo auxilio mientras se desangraba a borbotones, sin poder moverse por la seriedad de las heridas, y sin nadie que se atreviera a recogerlo. Los occidentales tenían miedo de recibir disparos en aquella nueva situación y tan solo se atrevieron a lanzarle un botiquín, que de nada sirvió a un Peter Fechter casi moribundo y a cada minuto con menos vida. Los rusos a los que pertenecía la zona muerta aguardaron unos interminables 50 minutos de agonía del joven hasta que procedieron a recogerlo, momento que queda recogido en la foto que acompaña el texto. 

El pueblo berlinés que presenciaba la escena gritaba a ambos bandos que remediaran la muerte de aquel jovencito, pero nadie hizo nada, incluso las fuerzas occidentales impidieron que ningún civil acudiera a ayudarlo. Al final, en el lugar del suceso solo quedaron flores que fueron lanzadas por los indignados berlineses. 

No sería el último en morir en el muro, aun vendrían 260 más. El último fallecido de esta larga lista fue Chris Gueffroy, en 1989, que curiosamente tenía tambien veinte años… Hoy en día hay un monumento en el lugar en el que cayó Peter y también hay una canción cuya letra viene bien releer desde esta nueva óptica. Nino Bravo la escribió tras la impresión que le provocaron las imágenes que del suceso salieron en la prensa mundial y accesibles desde el buscador de google y que hoy os adjuntamos a esta entrada.


La canción que todos hemos canturreado alguna vez decía:

Tiene casi veinte años y ya está 
cansado de soñar; 
pero tras la frontera está su hogar, 
su mundo y su ciudad. 
Piensa que la alambrada sólo 
es un trozo de metal 
algo que nunca puede detener 
sus ansias de volar.

Libre, 
como el sol cuando amanece yo soy libre, 
como el mar. 
Libre, 
como el ave que escapó de su prisión
y puede al fin volar. 
Libre, 
como el viento que recoge mi lamento y mi pesar, 
camino sin cesar, 
detrás de la verdad, 
y sabré lo que es al fin la libertad.

Con su amor por bandera se marchó 
cantando una canción; 
marchaba tan feliz que no escuchó
la voz que le llamó
y tendido en el suelo se quedó,
sonriendo y sin hablar;
sobre su pecho, flores carmesí 
brotaban sin cesar.

Y ahora que la cante Nino Bravo que es el que sabe darle toda su dimensión:




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martes, 16 de enero de 2018

"La oveja feroz" - Microcuento



"Una oveja decidió disfrazarse de lobo, para confundir a su habitual enemigo, y se encontró con un lobo que había recurrido a su vieja costumbre de vestirse de oveja. En medio de la confusión que ocasionó el encuentro, todos pudieron presenciar cómo, por primera vez en la historia, la oveja feroz devoraba al lobo indefenso."

Este microcuento titulado "La oveja feroz" y que en la imagen de cabecera luce como "carnero feroz", es obra del escritor colombiano Jaime Alberto Vélez (1950 - 2003), y pertenece a su obra "Bajo la piel del lobo" (2002). Tras leerlo pensaba que a veces el habito puede hacer al monje y es que en este mundo nuestro sólo hay que armarse un poco de valor, creérselo, sacar las uñas y dientes que siempre se llevan escondidos para que los gallitos que a veces nos rodean no tengan nada que hacer y muestren que no pocas veces sólo son globos llenos de aire, aunque lo más habitual sea lo contrario, vestirse de lobo como recurso para no mostrar la propia pequeñez. De los lobos con piel de cordero ya ni hablamos....


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lunes, 15 de enero de 2018

"Vissi D'arte" y la muerte de María Callas

María Callas retratada por Terry O'Neill

El ser humano se llamaba Ana María Cecilia Sofía Kalogeropoulos, mientras que la diosa, la diva por excelencia era conocida y adorada por todos como María Callas. Ambas vivían en el mismo ser, hasta que el cuerpo mortal se despidió un 16 de septiembre de 1977 en la completa soledad de su piso de la Avenida Georges Medel, muy cerca del parisino Arco del Triunfo. Fue la suya una soledad agriada por el deterioro de su privilegiada voz y por el desamor, la ingratitud y los sufrimientos con los que le había pagado el soberbio Onassis que la dejó de mala manera para irse con Jacqueline Kennedy. Se habló de suicidio, que su cadáver había sido incinerado con demasiada premura, casi con urgencia, sin tiempo para hacer una autopsia que diera algunas respuestas que en realidad ya no servían para nada que no fuera el último renglón de una torpe biografía. La mujer tenía solo tenía 53 años, la diosa, la diva, liberada ya del cuerpo de aquel ser sufriente viviría ya para siempre convertida en mito. No es de extrañar que la propia Callas dijera en una ocasión: 

"La muerte no existe, existe solo la vida. Yo no moriré nunca".  

La Callas sabía escenificar maravillosamente sus interpretaciones y con sus gestos, sus ademanes, su maquillaje, sus vestidos, lograba acercarse de forma inaudita a sus personajes hasta sentirlos en sus propias carnes, por eso podría ser, o así me gusta imaginarlo, que entre aquellas grabaciones de su época de esplendor que escuchaba en la soledad de su piso, sonará en el momento de su muerte, "Vissi D'arte", una de las arias que la harían famosa, perteneciente a la ópera Tosca de Puccini, la última que cantó en plenitud. La letra del aria parece el lamento de la propia María Callas:


He vivido del arte, he vivido del amor,
¡nunca le he hecho mal a nadie...!
Con mano furtiva
cuantas miserias he conocido, he socorrido...
Siempre, con fe sincera,
mi plegaria
en los santos templos, elevé.
Siempre, con fe sincera,
he llevado flores al altar.
En la hora del dolor,
¿por qué, por qué Señor, por qué
por qué me pagas de esta manera?
He dado joyas
para el manto de la Señora,
y he dado mi canto a las estrellas,
que brillaban tan radiantes.
En la hora del dolor, ¿por qué,
por qué Señor, por qué
me pagas de esta manera?



María Callas cantando "Vissi d'arte"



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domingo, 14 de enero de 2018

James Stewart & Anthony Mann: Una historia del Western

James Stewart en una imagen promocional de "Winchester 73"

"Dadle a Mann un paisaje, una montaña y un itinerario. Y ya tendremos una obra maestra".

Eso decía el sabio André Bazin acerca de la pericia del director Anthony Mann con las películas del Oeste. Y es que si bien no se equivocaba John Ford cuando se definía personalmente como un hombre que hacia western -magníficos por cierto-, no habría faltado a la verdad tampoco Anthony Mann si se hubiese presentado de la misma forma, reconociendo por supuesto la maestría de ambos directores en otros géneros.

James Stewart y Anthony Mann durante un rodaje
Mann decía acerca del western:

"El western es el género más popular, y otorga más libertad que los otros para poner en escena todo tipo de pasiones y acciones violentas. Creo que es también el género que envejece de forma menos rápida, porque resulta esencialmente primitivo. No tiene ninguna regla y todo es posible. De él, sobre todo, surge la leyenda, y es la leyenda lo que ofrece un cine mejor, lo que excita la imaginación”.

“El western goza de tanto éxito porque en él un hombre dice: voy a hacer algo, y lo hace. Todos queremos ser héroes. Esto es el drama. Esto es de lo que trata el cine”.

"¡Nunca entendí porqué todos los westerns están rodados en paisajes desiertos! John Ford, por ejemplo, adora Monument Valley, pero yo conozco Monument Valley muy bien y no todo el Oeste es así. De hecho, el desierto sólo representa una parte del Oeste americano. Yo quería mostrar las montañas, las cataratas, las áreas boscosas, las cumbres nevadas: […] los personajes emergen más detalladamente en un entorno así. En ese sentido, el rodaje de The naked Spur (Colorado Jim) me dio verdaderas satisfacciones"

James Stewart recibiendo instrucciones de A. Mann
Mann nació en 1906 y se llamaba en realidad Emil Anton Bundsman. Intentó hacer sus pinitos como actor pero pronto le atrajo más colocarse detrás de la cámara. No le fue mal con el cine negro durante los años cuarenta con películas como "Desesperado", "La brigada suicida", "El reinado del Terror" o "Border Incident" y más tarde, durante los 60, poco antes de morir, logró dos exitazos tremendos dentro del cine épico con "El Cid" o "La caída del imperio Romano", pero fue sin duda la etapa intermedia en la que se volcó en el género del western la que más alegrías le reportó.

Su primer western fue "La puerta del diablo" (1950) donde ya marcaba la sensibilidad con la que afrontaría el género, resultando patente su crítica del racismo y la intolerancia y esbozando una visión más humanizada del pueblo indio, tradicionalmente tan maltratado por Hollywood. Y aunque hizo otros wester con actores como Glenn Ford en "Cimarron", Gary Cooper en "El hombre del oeste"Henry Fonda en "Cazador de forajidos", parece que lo tenía muy claro y pronto eligió a su héroe particular, al que sería el protagonista regular de sus aventuras, el larguirucho James Stewart, al que le vino de perillas convertise en el actor fetiche de Mann y darle así un giro a su carrera que peligraba con encasillarse en el territorio de la comedia romántica y en otros filmes en los que era especialista en dar el tipo perfecto del americano medio. Martin Scorsese decía:

“Si el Stewart de antes de la Guerra representaba algo esencialmente Norteamericano, el Stewart de la posguerra representó algo completamente universal. Es difícil pensar de otra estrella americana que rehiciera su propia imagen tan a fondo, con tanta valentía”

James Stewart y Ruth Roman en "Tierras lejanas"
No era previsible que Stewart diera tan bien el tipo para este tipo de películas, pero es que sus andares deslabazados a veces y hasta el sombrero vaquero terminaron por sentarle bien. Con el tiempo todos llegamos a saber que Stewart era capaz de dar vida a cualquier tipo de personaje con solvencia y una naturalidad apabullantes. 

La historia empezó tras la mencionada "La puerta del diablo", momento en el que James Stewart le pidió a Mann que dirigiese la fenomenal "Winchester 73"  (1950) con él como actor y con este trabajo empezaría una colaboración fantástica que uniría a director y actor en otros siete films, entre los que se cuentan 5 obras cumbres del western: el ya mentado "Winchester 73", "Horizontes Lejanos" (1952), Colorado Jim (1953), Tierras lejanas (1953) y la fantástica "El hombre de Laramie" (1955). 

Anthony Mann y Sara Montiel
Curiosamente James Stewart no rodó su mejor western con Mann, para ello hizo una excursión a los territorios del gran John Ford y nos regaló la sensacional película: "El hombre que mató a Liberty Valance". Fue una infidelidad consentida y dado lo maravilloso del resultado, no creo que Mann le guardara rencor. Las otros tres trabajos que Stewart hizo con Mann fueron: La película de aventuras "Bahía negra",  el entretenido musical "Música y lágrimas" en la que da vida al director de big band Glenn Miller y la bélica "Strategic Air Command" género en el que Mann también dejo perlas como "La colina de los diablos de acero" o su último trabajo, la entretenida "Los héroes de Telemark". A Mann le daba igual el género, era un todo terreno que igual hacía un peliculón de cine negro, aventuras, drama (como "La pequeña tierra de Dios"), musical, peplum, épicas... era sin dudas un director total.

Durante el rodaje del drama sobre un aspirante a tenor "Dos pasiones y un amor"(1956), conoció a nuestra "Saritísima" que trabajaba en este film como secundaria. Por aquella epoca Sara Montiel, un verdadero bellezón, era un valor en alza en Hollywood y Mann se enamoró de ella. No tardaría en abandonar a su primera esposa, Mildred, con la que tenía una hija, y se acabaría casando con Sara Montiel, pero a su manera y así se unió a la actriz española "en articulo mortis", porque el realizador había sufrido un infarto, y los médicos temían por su vida. Pero sobrevivió... y estuvieron casados durante 6 años. En 1967 otro infarto acabó su vida.


Y a pesar de tantas maravillas que salieron de su buen hacer, decía:

"No soy un genio, solo un trabajador"




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viernes, 12 de enero de 2018

Federico Fellini en cápsulas


Si, cinco Oscar llegó a acumular Federico Fellini en su casa para adornar el saloncito, cuatro a la mejor película extranjera por "La Strada" (1954), "Las noches de Cabiria" (1957), "8½" (1963) y "Amarcord" (1975) -nadie ha ganado tantos como él en este apartado- y en 1993 le concedieron el repoker con un Oscar honorífico en reconocimiento a su trayectoria profesional, un premio mercidísimo para una de las personalidades más ricas e impredecibles que se han paseado por la historia del cine y por supuesto pilar indispensable del cine europeo. Es por ello por lo que todo lo que nos pueda contar Fellini acerca de su visión del mundo, el cine y la gente es siempre de interés, aunque no sepamos, en un mentiroso compulsivo como el mismo se definía, si aquello que nos cuenta se ciñe realmente a la verdad o es lo que se le pasó por cabeza en aquel momento. Aquí quedan algunas perlas suyas recogidas de entre las muchas entrevistas que dio:

Sobre las prostitutas:
"La prostituta es el contrapunto esencial de una madre a la italiana. No se puede concebir una sin la otra. Y así como la madre nos ha nutrido y vestido, con la misma fatalidad, hablo por lo menos de mi generación, la puta nos ha iniciado en la vida sexual. Todos les estamos agradecidos a esas mujeres que han realizado nuestros deseos, nuestras esperanzas y fantasías, y las han transformado en algo casi siempre pobre y mezquino pero de todas formas fantástica. Es por lo que la prostituta, criatura infernal, conserva a pesar de ello el poder y la fascinación de aquello que parece evocado de un modo ultraterreno. No es comprensible y, por ello mismo, es inmensa e inasible, omnisciente e ingenua. Exactamente como nuestras fantasías, de las cuales es no sólo ladrona sino realizadora".

Sobre la política:
"El compromiso y la militancia política creo que impiden el desarrollo integral de las personas. Mi antifascismo es biológico. No podré olvidar jamás el aislamiento en que estuvo Italia durante veinte años. Hoy tengo una profunda aversión -y en este punto sé que soy vulnerable- hacia todas las ideas que pueden traducirse en fórmulas políticas. Estoy comprometido con la independencia respecto a los partidos. Y eso que me encanta comprometerme a fondo con las cosas frívolas y de hecho me comprometo muy a fondo con todo lo que hago".

Sobre la televisión:
"¿Ha pasado alguna vez toda una tarde de domingo delante del televisor? A través de las diversas emisiones circula una atmósfera de relajo dominical llena de buena voluntad, una especie de ambiente de fiesta. Pero todo eso subraya ejemplarmente el carácter lúgubre, depresivo e hipnótico que caracteriza a todos los espacios televisivos. Y el telespectador cae en un tipo de distracción propio de un atardecer irreal y tonto, como el que se vive en las salas de conversación de los asilos, los hospitales, los hospicios y los demás sitios en los que la vida ha quedado en cierto modo interrumpida, alienada, decepcionada, ausente. La televisión añadió caos visual y confusión. La televisión es el espejo donde se refleja la derrota de todo nuestro sistema cultural".

Sobre "Ocho y medio":
"Pensaba que mis ideas estaban claras. Quise hacer un film honesto, sin mentiras en absoluto. Pensé que tenía algo que decir... así de sencillo. Un film que podría ser útil para todos, que ayudase a enterrar para siempre todas esas cosas muertas que todos llevamos dentro. Sin embargo, soy el primero que no tiene valor para enterrar nada. Ahora tengo la cabeza llena de confusión, tan grande como una torre. No tengo nada que decir, pero a la vez quiero decirlo todo".

Sobre el Neorrealismo:
"Para mi el neorrealismo es una manera de ver la realidad sin prejuicios, sin convicciones entre ella y yo, afrontarla sin ideas preconcebidas, mirándola de forma honesta, sea la realidad que sea. No solo la social, sino también la espiritual y la metafísica, en resumen: Todo lo que hay en el interior del hombre".

Sobre "La dolce vita":
"Comprendo que 'La dolce vita' constituyó un fenómeno que trascendió la película en sí. El título de la película no tenía ninguna intención moralista ni denigrante. Sólo significaba que, a pesar de todo, la vida tiene su dulzura profunda de la que no se puede renegar. Creo que jamás tuve la intención lúcida de denunciar, criticar, fustigar, satirizar. No me enardecía la intolerancia ni el desdén ni la rabia. No quería acusar a nadie. No hay un fin. No hay un comienzo. Sólo hay la infinita pasión de la vida".

Sobre el fascismo:
"El fascismo es el entorpecimiento de la inteligencia, un condicionamiento que sofoca la imaginación y cualquier tipo de autenticidad. La forma de ser un fascista, tanto psicológica como emocionalmente, es ser una persona violenta, ignorante, exhibicionista y pueril. Yo considero al fascismo como una degeneración a nivel histórico de una temporada individual (que es la adolescencia), donde el joven se corrompe a si mismo y prolifera con la habilidad de evolucionar y convertirse en adulto. El fascista existe en todos nosotros. No podemos combatir en su contra sin identificarnos con nuestro ignorante, insignificante e impulsivo ser".

Sobre "Amarcord":
"La historia sucede en lo que podría ser cualquier región de Italia en los treinta, bajo el control de la Iglesia y el Fascismo. Es el relato de la floja, impenetrable y encerrada existencia de las provincias italianas; de las perezozas, las poco visionarias y más bien ridículas aspiraciones enterradas ahí; la fascinante contemplación del mítico Rex mientras navegaba, inaccesible y inútil; el cine norteamericano con sus falsos prototipos; del 21 de abril, el nacimiento de Roma. La película quiere ser el retrato de esa provincia italiana y es por eso que el elemento que caracteriza más íntimamente el episodio del 'Federale' (el jerarca fascista) es el condicionamiento bufonesco, de teatralidad, de infantilidad, de sujeción a un poder titiritesco, a un mito ridículo, es justo el centro de la película, su clímax. El fascismo ha sido un modo de ver la vida desde un punto de vista no personal sino colectivo y, en cuanto motivo colectivo, la visita del 'Federale' es, independientemente de lo anecdótico e histórico, el verdadero fondo de toda la historia".

Sobre el cine:
"No voy nunca al cine. Pero cuando voy, sólo me interesa la historia de fondo. Nunca presto atención a los movimientos de la cámara, a los primeros planos, a los 'travellings'. No conozco los clásicos del cine: Murnau, Dreyer, Eisenstein; vergonzosamente nunca los vi. Al cine no iba mucho de niño. Muchas veces no tenía dinero, no me lo daban. Una vez que llegué a Roma, empecé a ir más al cine. Cuando no sabía adónde ir, siempre estaban las películas próximas al espectáculo de variedades. Los preliminares del espectáculo siempre me emocionaron, como el circo. El desbarajuste que precede al espectáculo de variedades, los directores que llegan a la orquesta, los acordes, la voz del cómico y los pasos de las chicas detrás del telón. Me gustaba ir por el ambiente: el ruido de la sala, el olor a pipí de niño, la salida de emergencia y el momento en que la gente, después de la película, llegaba a la calle. Ver a los hombres y las mujeres aturdidos todavía por el espectáculo y sorprendidos por el frío, alguien que canturrea el motivo de una película, risotadas, en cierto ambiente de fin del mundo, de desaire".

Sobre Luis Buñuel:
"Me habían dicho que hablaba y era sordo cuando me lo presentaron en Cannes, en 1960. Buñuel me gustó enseguida, totalmente, a causa de su pinta de zapatero, de marionetista, de minero contento porque le ha salido bien una huelga. Y cuando luego se alejó, vi que su manera de andar era la de un obrero cansado arrastrando mucho peso o tirando de una carretilla".

Sobre los diálogos:
"En el cine los diálogos no son importantes para mí. La utilidad del diálogo es únicamente facilitar información a los espectadores, y creo que en el cine es mejor utilizar otros elementos para eso, como la iluminación, los objetos, el decorado en que se produce la acción, porque contienen mucha más carga de expresión que una serie de páginas y más páginas de diálogos".

Sobre las películas:
"Creo que hago películas porque no sé hacer otra cosa. Desde que grité por primera vez: '¡Cámara! ¡Acción! ¡Corten!', me pareció que lo había estado haciendo siempre, que no hubiera podido hacer otra cosa y que aquello era yo y aquella era mi vida. Por eso, al hacer cine no me propongo otra cosa que seguir esa inclinación natural de contar historias que me gustan. No podría haber vivido sin hacer películas. Si hay que tener remordimientos (cosa que, entre paréntesis, no creo), yo tengo el remordimiento de no haber hecho más películas. Quisiera haber hecho de todo lo que se mira: documentales, anuncios publicitarios, emisiones infantiles, funciones de marionetas en los jardines públicos...".

Sobre los productores: 
"La imbecilidad y la mediocridad de los productores de cine me han ayudado, en definitiva, a tomar conciencia sobre la naturaleza y la importancia de mi trabajo y a buscar un equilibrio sin el cual habría caído en un idealismo, en un desconocimiento de los problemas prácticos de cada día, a veces muy tontos, que constituyen la realidad del cine".

Sobre la fantasía e imaginación:
"El 'Diccionario Palazzi' dice lacónica y textualmente de la fantasía: 'Facultad imaginativa del hombre'. Entonces pensé consultar qué decía de la imaginación, pese a que según mi opinión ambas cualidades se diferencian notablemente o, mejor dicho, son dos fases, dos momentos distintos de una misma función. A mí me parece que la imaginación, la imagen, es un producto psíquico, la materia prima del subconsciente, que éste libera y envía a la superficie, de acuerdo con ritmos, temperaturas y exigencias individuales. El 'Palazzi' añade a la palabra 'imaginación' una larga y sugestiva lista de sinónimos, derivados y consanguíneos: fantasía, alucinación, rareza, capricho, concepción, conjetura, contemplación, castillos en el aire, delirio, desvarío, ficción, extravagancia, idea, ilusión, invención, hipótesis, inspiración, espejismo, pensamiento, percepción, presentimiento, extrañeza, suposición, e incluso antojo. Puede que la fantasía sea una especie de limbo, de frontera, de zona, de dimensión propiamente fantástica donde hacemos vivir lo que deseamos. O también, la fantasía es una atmósfera impalpable e indefinible, una gran pantalla en la cual viven y se componen historias, personajes y sueños".

Sobre el hombre creativo:
"Un hombre creativo es aquél que se coloca entre los cánones consoladores, reconfortantes, de la cultura consciente y el inconsciente, el magma original, la oscuridad, la noche, el fondo del mar. Son estas llamadas, esta mediumnidad, las que hacen al hombre creativo. Un hombre creativo habita, se sitúa, vive en esa zona, para operar una transformación, símbolo de vida; y lo que pone en juego es su propia vida o su salud mental".

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jueves, 11 de enero de 2018

Beethoven y su "Amada inmortal"



Después de ver al gran actor, recientemente premiado con un Globo de Oro, Gary Oldman (arriba en la foto) dar vida a Beethoven en la interesante película "La amada inmortal" (1994 - Bernard Rose), uno no puede dejar de sentir interés por leer de nuevo sobre aquella famosa carta escrita por Beethoven a su "Amada inmortal", y saber un poco más sobre la persona que podría haberla inspirado. La película es sumamente interesante a pesar de las licencias que se toma con la vida del compositor y la actuación de Gary Oldman es simplemente soberbia, pero retomando el tema de la carta, encontrada póstumamente en su despacho junto al revelador Testamento de Heigilenstadt. Beethoven tenía una letra más bien grande y la carta, con entradas en varías fechas le ocupó un total de diez páginas escritas a lápiz y la que dio como título: "An die unsterbliche geliebte" (A la amada in­mortal). La carta decía asi:

"6 de julio, por la mañana.
¡Mi ángel, mi otro yo, todo mi mundo! Sólo unas pocas palabras en el día de hoy, escritas a lápiz (escritas con el tuyo). Mi futuro no quedará fijado hasta mañana. ¡Qué frívolo derroche de tiempo! ¿Por qué esta pena profunda cuando es la necesidad quien ordena? ¿Puede nuestro amor subsistir sin sacrificio, sin anhelarlo todo? ¿Puede ayudar a nuestro amor el que tu arte no sea en­teramente mío, el que yo no sea totalmente tuyo? Dirige tus ojos a la hermosa naturaleza y no dejes que tu men­te sea perturbada por el destino. El amor lo requiere todo, y es muy justo que así sea: así soy yo contigo, así eres tú conmigo; sólo que tú olvidas fácilmente que debo vivir para mí y para ti. Si estábamos completamen­te unidos, tú no deberías sentir esta tristeza en mayor medida que yo. Mi jornada ha sido terrible. No llegué aquí hasta las 4 de la mañana de ayer a causa de los ca­ballos. El cochero eligió otra ruta ¡pero qué terrible ca­mino el escogido! En la última etapa me advirtió que no debería viajar de noche, y me previno de parar junto a los árboles; pero esto sólo contribuyó a exacerbarme, y me equivoqué; a causa del mal estado de la ruta, una vía execrable y tortuosa, el carruaje se averió. Sin el postillón que tenía junto a mí, hubiera quedado abando­nado en el camino. El príncipe Esterhazy, que viajaba por otro camino con ocho caballos, tuvo el mismo acci­dente que yo había tenido con cuatro. Sin embargo, siento ahora un extraño placer, como me ocurre siem­pre después de haber vencido una nueva dificultad. Pronto volveremos a encontrarnos. No puedo comuni­carte hoy las observaciones que me he estado haciendo acerca de los pasados días de mi vida. Si no hubieran estado tan cerca uno del otro nuestros corazones, creo que nunca me hubiera planteado estas cosas. Mi cora­zón está lleno de cientos de cosas que he de decirte. ¡Ay, hay momentos en que consigo encontrar ese lenguaje! ¡Alégrate! Continúas siendo mi única verdad, mi único amor, todo mi yo como yo lo soy para ti. Y así para siempre; debemos dejar que los dioses nos envíen lo que debe ser y lo que será. Fielmente tuyo, Ludwig.

6 de julio, lunes, por la tarde
¡Estás sufriendo, queridísima mía! Acabo de darme cuenta de que estas cartas deben darse al correo muy temprano. Los lunes y los jueves son los únicos días en los que el carruaje del correo va desde aquí hasta K. ¡Estás sufriendo tanto! ¡Ah!, donde yo estoy, allá estás tú conmigo; conmigo y contigo, habré de encontrar los me­dios para vivir contigo. ¡Qué vida! ¡Así!, sin ti, perseguido por la amabilidad de las gentes aquí y allá, mientras que lo que yo deseo no es nada más que lo que realmente merezco -la humildad del hombre hacia los hombres, todo esto me duele-y cuando me consi­dero en contacto con el universo, ¿qué es lo que soy, quién soy y quién es aquel capaz de ser llamado el más grande? ¡Y nuevamente vuelve aquí a encontrarse el elemento divino de lo humano! Lloro al pensar que sólo el sábado, con suerte, recibirás mis primeras palabras. Por mucho que tú me ames, mi amor por ti es más ar­diente, pero que ello no haya de alejarte de mí. ¡Buenas noches! Como un inválido recién llegado a las benéficas aguas termales, debo ir a descansar. ¡Ay, Dios! ¡Tan cer­ca! ¡Tan lejos! ¿No es nuestro amor una estructura real­mente celeste, firme como la cúpula del cielo?

Buenos días, en la mañana del 7 de julio.
Antes de levantarme, mis pensamientos volaron ha­cia ti, inmortal bienamada; en ciertos momentos eran dulces, en otros dolorosos, aguardando la respuesta del destino y confiando en que los hados nos escuchen. No puedo seguir viviendo permanentemente sin ti, de nin­guna manera; he decidido recorrer la distancia que nos separa para volar a tus brazos, sentirme realmente en el hogar junto a ti y enviar mi alma envuelta en tu cariño a los dominios del espíritu. ¡Sí, pase lo que pase, así debe ser! Debes tenerme afecto, más aún sabiendo cuan grande es mi amor hacia ti. ¡Nunca podrá otra mujer poseer mi corazón, nunca, nunca! ¡Oh, Dios! ¿Por qué debe uno alejarse de aquello que tan profundamente ama? La vida que llevo en Viena es miserable. Tu amor me hace el más feliz y al mismo tiempo el más infeliz de los hombres. A mis años, necesito cierta uniformidad, cierta igualdad en el camino de mi vida; ¿puede darse esto en nuestra mutua situación? Ángel mío, acabo de saber que el carruaje del correo parte diariamente y debo terminar para que cuanto antes puedas recibir esta carta. ¡Sé sencilla! Sólo a través de una tranquila con­templación de nuestra existencia podremos conseguir nuestro objetivo de vivir juntos. ¡Sé sencilla! ¡Ámame! ¡Ámame hoy, ámame ayer! ¡Después de ti, de ti, de ti, mi vida, todo mi ser vive un anhelo cargado de lágrimas! Adiós. ¡Oh, continúa amándome!, y nunca dudes de que haya un corazón más fiel al tuyo que el mío. Tu bienamado, Ludwig. Siempre tuyo. Siempre mía. Siempre el uno del otro".

Josephine von Brunsvik
Durante mucho tiempo los estudiosos de la vida de Beethoven señalaron a Therese von Brunsvik como la destinanataria de estas palabras, Los estudios de Siegmund Kaznelson pretender hacer incuestionable su afirmación de que la "amada inmortal" no era otra que la hermana de la anterior, Josephine Brunsvik, con quien cruzó otras cartas de tono apasionado y estilo similar a esta que nos ocupa. Su ya mencionada hermana Therese estaba convencida de que Josephine era "La amada inmortal" y así lo reseñaba en sus diarios. Pero no faltará quien diga que fue Antoine Birkenstock con la que Beeethoven trabó un solida amistad y la única que en 1812 estuvo en la misma casa de Karlsbad en la que después se alojaría el compositor. Además parece que la obra "An die Geliebte" (A la amada) fue escrito por Beethoven pensando en ella. Para otros bien pudo ser Giulietta Guicciardi (a la que dedicó la Sonata Claro de Luna) y a la que Beethoven nunca olvidó, o su alumna y luego gran intérprete de piano Dortohea Graumman. Por no hablar de Anna Marie Niczky, otra excelente pianista a la que Beethoven dedicó algunas obras. Para otros sería Amalie Sebald, una cantante berlinesa con la que Beethoven mantuvo correspondencia, aunque de un tono más amigable y menos apasionado que esta de "La amada inmortal". Hay quien habló también de Therese Malfati, con la que puede que Beethoven alguna vez tuviera esperanzas de casarse, pero parece que a lo más que llegó la relación fue a inspirarle a Beethoven la bagatela de todos conocidas como "Para Elisa", un nombre que deviene de un error del copista de la partitura original, en la que Beethoven con su pesima caligrafía había escrito "Para Therese"

Y aun otros hablarían de Henriette Sontag, Amalie Sebald, Rahel Levin, Karoline Unger o Christiane Lichnowsky... pero decidido hoy en ponerle cara a "La amada inmortal" intentaré seguir la corriente principal y os dejo el retrato de Josephine von Brunsvik

Os dejo un trocito de la película en la que se ven ya los problemas auditivos de Beethoven:


Y el tema que posiblemente Beethoven dedico a su amada "An die geliebte"




Fuente: http://eljineteinsomne2.blogspot.com.es/2008/04/quien-fue-la-inmortal-de-beethoven.html

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miércoles, 10 de enero de 2018

Los perros del espacio: Bolik, Laika, Belka y Strelka



Mucho antes de que la perrita Laika viajara al espacio, hubo muchos otros perros que hicieron vuelos suborbitales y que en su mayoría volvieron con vida. Los pioneros fueron Dezik, Tsygan y Lisa en Julio de 1951. Aquellos canes viajaban con trajes de presión y escafandras con cristal acrílico a bordo de misiles R-1, R-2 o R-5 que los llevaban hasta alturas comprendidas entre los 100 y los 450 km. Entre aquellos sufridos astronautas de cuatro patas uno no puede dejar de tener cierta admiración por uno que se llamaba Bolik y que se escapó días antes del despegue programado. Hubo otros que lo intentaron pero fueron apresados y lanzados al espacio como estaba programado, pero no fue el caso de Bolik del que nunca más se supo. Eso si los rusos siempre tienen soluciones y el puesto del prófugo fue tomado por un perro callejero al que se le dio el nombre en clave de ZIB (ЗИБ) siglas que en ruso corresponden a: "Sustituto del extraviado Bolik". Si alguna vez tengo un perro ya se que nombre ponerle...

Con el tiempo llegaría la famosa Laika (a la izquierda), con su triste historia. Fue lanzada en el Sputnik 2 el 3 de noviembre de 1957 y aunque otros perros anteriormente habían superado con seguridad el límite con el espacio, Laika es considerada oficialmente como el primer ser vivo en viajar fuera de la órbita de nuestro planeta. Durante mucho tiempo se nos dijo que había muerto al agotarse el oxigeno, cuando la verdad es que solo aguanto entre cinco y siete horas debido al estrés y a un colapso térmico.

Pero no quedaría ahí la cosa, y antes de que el amigo Yuri Gagarin diera sus paseítos desde el Vostok, dos nuevos perros (y algunos maniquíes como el apodado Iván Ivánovich) fueron lanzados al espacio, las menos conocidas Belka y Strelka (en la foto de inicio), que pasaron todo un día a bordo del Sputnik 5 y que esta vez si retornaron sanas y salvas a la Tierra, siendo los primeros animales que hicieron el trayecto de ida y vuelta, algo así como lo de Colón con América. Para ser sinceros también iba un conejo y 42 ratones pero supongo que la lista de nombres sería tan insufrible como la de los reyes godos y no ha trascendido.

El caso es que Strelka terminó por tener seis crías con un perro también entrenado para viajar al espacio, Pushok. Uno de los cachorros tomo el nombre de Pushinka y fue regalado por Nikita Kruschev a Caroline Kennedy, la hija del presidente norteamericano Jhon Fitzgerald Kennedy, la cual no tuvo reparos en romper toda la beligerancia de la guerra fria y emparejarlo con su propio perro Charlie, junto con el cual llegó a tener cuatro cachorros: Butterfly, Streaker, Tips y Blackie y que eran conocidos como Pupniks (combinación de pup - cachorro y el nik del final de Sputnik). Sin duda, este fue uno de los pocos romances ruso-americano que se pudo permitir aquella convulsa época en la que quedaba poco para que los dueños de Strelka y Charlie pusieran en serio peligro el planeta con la estresante crisis de los misiles de Cuba. 

Hoy Belka y Strelka tienen desde sellos dedicados a su viaje a todo tipo de souvenirs con su imagen, amen de una serie de dibujos animados de la que son protagonistas. Sus cuerpos disecados se pueden ver en el Museo de la Cosmonáutica de Moscú, donde al único perro del espacio que no podrán encontrar es al espabilado de Bolik.


Belka y Strelka preparadas para el viaje



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Fuentes: 

http://www.transponder1200.com/perros-en-el-espacio-gracias-y-perdon-laika/
http://danielmarin.naukas.com/2010/08/19/50-anos-de-strelka-y-belka/
https://es.wikipedia.org/wiki/Perros_del_programa_espacial_sovi%C3%A9tico

martes, 9 de enero de 2018

"Pour le Mérite": la medalla de los aviadores alemanes



No deja de resultar curioso que la mayor condecoración militar alemana desde 1740 en que fue creada por Federico Guillermo III de Prusia hasta el final de la Primera Guerra Mundial en que fue abolida tras la derrota de Alemania, tuviera un nombre francés. La explicación es sencilla, en la corte real berlinesa el idioma en el que se hablaba, cuando se creó era el francés así que no resulta ilógico que esta preciosa medalla con una Cruz de Malta central de color azul con águilas imperiales entre sus brazos, llevara inscrito en el centro, con letras doradas, la leyenda  "Pour le mérite" (Por el mérito)

Aunque tuvo una época en que se entregaba también en el ámbito civil, pero pronto se restringió su concesión a militares en activo, haciéndose tremendamente famosa y codiciada durante la Primera Guerra Mundial, especialmente entre los pilotos de combate, los caballeros del aire. El primero en conseguir esta preciada cruz fue el piloto Max Immelman, momento desde el cual paso a ser conocida por los demás pilotos como "Blue Max" o "Blauer Max" con un tono ya más germánico. 

Al principio era necesario derribar al menos cinco aviones enemigos para conseguir la medalla, cifra que fue subiendo con el transcurso de la guerra y que llego a fijarse en 20 aviones abatidos. A pesar de que como siempre estas medallas se quedaban mayormente entre los generales y puestos de alto rango, no fueron pocos los pilotos que la consiguieron y entre ellos figura por supuesto el conocido Barón Rojo Manfred von Richtofen, al que podemos ver en la foto luciendo la medalla (una obligación que tenían al vestir de uniforme). Otros personajes famosos que lograron el Max Azul durante la Gran Guerra fueron el entonces teniente Erwin Rommel, posteriormente conocido como el Zorro del desierto y que sería uno de los más famosos Mariscales de Campo de Hitler. También la consiguió Herman Göering que antes de ponerse tan orondo como todos lo tenemos en mente fue un as de la aviación que llegó a liderar la escuadrilla que había dado fama al Barón Rojo.

Fuente: La anécdota toma como inicio una entrada de la revista "Historia y Vida"

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lunes, 8 de enero de 2018

Una Eva para Cecil B. DeMille



En plenos años 40, cuando el cine mudo había sido totalmente superado e incluso Charles Chaplin, que había resistido admirablemente algún tiempo con algunas películas mudas de su inmortal Charlot, hubo de rendirse a la evidencia del fin, uno de los profetas del cine pasado y del futuro de entonces, un tal Cecil B. DeMille (la misteriosa B. es Blount) empezó a preparar un nuevo proyecto que como no podía ser de otra manera bebía de la Biblia. DeMille, que era hijo de un pastor episcopaliano, tenía querencia por las Sagradas Escrituras y así nos dejó obras como "Rey de Reyes" (1927), "Sansón y Dalila" (1949) o las dos versiones de "Los 10 mandamientos" una de 1923 y la más conocida de 1956 con Charlton Heston como protagonista. El caso es que en esos momentos parece que el director quería empezar a contar todo desde el principio y le puso proa a la historia de "Adan y Eva". Cuando la noticia empezó a correr por los mentideros de Hollywood, una vieja diva del cine, ya prácticamente olvidada y a la que el sonoro había dejado en el dique seco, se presentó ante el director vestida como si fuera una jovencita candorosa buscando hacerse con el papel. Pero Hollywood era y es una ciudad cruel, especialmente con las mujeres entraditas en años y esta vez no iba a ser distinta; cuando DeMille supo de las intenciones de la actriz y vio como el traje que llevaba y sus afeites no lograban disimular su edad, soltó una sonora carcajada y le dijo:

"En efecto, querida, voy a rodar un filme sobre Adán y Eva, pero no con el reparto original"  

La película no llegó a rodarse finalmente, la actriz, antes una diosa, supo que le había llegado su ocaso y DeMille siguió a lo suyo, que era darle vida al cartón piedra, como Dios manda. La foto, poco tiene que ver directamente con la anécdota, pero si algo de refilón, el fotograma pertenece a la película de Billy Wilder  "El ocaso de los Dioses", en la que se nos cuenta la historia de una actriz crepuscular, Norma Desmond (Gloria Swanson) que en el mismo film se entrevista con el gran Don Cecilio (que hace de él mismo) buscando rememorar glorias pasadas.  

He leído esta anécdota referida también al director Leo McCarey (en el libro "Sucedió en Hollywood"). La versión aquí reseñada toma como punto de partida una entrada de la revista "Historia y Vida"

La foto ha sido tomada de la página Doctor Macro: http://www.doctormacro.com/index.html

lunes, 21 de agosto de 2017

Ha muerto Jerry Lewis




Con 91 años se nos ha marchado "El profesor chiflado", un cómico que más allá de sus muecas incontrolables, era un verdadero talento en el mundo del cine. Su versión cinematográfica de los payasos de circo con Dean Martin a modo de seductor Pierrot y Lewis como el Augusto que se lleva todas las tortas, fue todo un éxito que les reportó taquillazos impresionantes, pero después de algunas desavenencias entre ellos que terminaron con el tandem, empujo a Lewis a explorar la faceta de director de sus propias películas, logrando demostrar su talento tras la cámara. Como actor serio solo había que verlo en esa gran película que es "El rey de la comedia" (1982) junto a Robert de Niro y a las órdenes de Martin Scorsese, un papel en el que nos demuestra que sabía poner cara de poker como el que más. En Estados Unidos era un payasete más, sin embargo en Europa -sobre todo en Francia- se le equiparaba en talento a Chaplin o Keaton, revalorizándose todavía más su figura tras sus muy recomendables conversaciones sobre cine con Peter Bogdanovich recogidas en el libro de este último "Las estrellas de Hollywood". Recordemos algunas frases de "El botones":

“Seguramente existen muchas razones para los divorcios, pero la principal es y será la boda”.

“Cuando dirijo, hago de padre; cuando escribo, hago de hombre; cuando actúo, hago el idiota”.

“El sueño de todo hombre es ser capaz de hundirse en los brazos de una mujer sin caer en sus manos”.

“El hombre de negocios americano es un señor que durante toda la mañana habla de golf en su despacho y que el resto del día discute de sus finanzas en el campo de golf”.

“He tenido gran éxito, siendo un total idiota”.

"En El rey de la comedia he querido tan sólo demostrar que puedo interpretar personajes dramáticos. Lástima que ningún actor dramático intente personajes cómicos. Hay 20.000 actores que pueden hacer Hamlet, pero muy pocos pueden hacer lo que yo hago".

"Convertirme en bufón para que los demás se rían es algo muy serio"

"Mel Brooks sabe hacer un cine que llega con facilidad a todos y Woody Allen es tan extraordinario que cuando me pidió que le dirigiera una película le dije que nadie podría hacerlo mejor que él mismo. Son mis mejores amigos. Con Mel hasta nos prestamos los chistes".

"Creo que el humor tiene que brotar más directamente, como en las viejas películas de Chaplin, que lo único que exigían era tener el corazón abierto".

"No me gusta la televisión. Está dirigida y motivada por un sistema en el que se cree que la creatividad es un obstáculo".

“Hay dos momentos tristes en la vida: el nacimiento y la muerte. Todo lo demás es rodar por tierra”.

Terminamos con su concierto de muecas en "El botones":





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