viernes, 5 de octubre de 2012

Enrico Caruso, un último concierto y una canción



Enrico Caruso (Nápoles, 25 de febrero de 1873 - 2 de agosto de 1921) fue un tenor italiano que ha sido considerado el más famoso del mundo en la historia de la ópera, y para muchos el mejor. Caruso fue también el cantante más popular en cualquier género durante los primeros veinte años del siglo XX y uno de los pioneros de la música grabada. Su ...
gran éxito de ventas y una voz extraordinaria, aclamada por su potencia, belleza, riqueza de tono y técnica superlativa, le convierten en el más grande cantante masculino de ópera de la historia.

Con su estilo de canto Enrico Caruso fijó un estándar, influyendo en prácticamente todos los tenores en los repertorios italianos y franceses. Su carrera abarcó desde 1895 hasta 1920 e incluyó un récord de 863 apariciones en el Metropolitan Opera de Nueva York. Sin embargo su trayectoria fue interrumpida por una infección fulminante que le mató a la edad de 48 años, en el pináculo de su carrera. Caruso era un cliente de Edward Bernays, un pionero de las relaciones públicas, quien trabajó como su agente de prensa en los Estados Unidos.
Cantó en muchas de las salas de ópera más importantes del mundo, aunque es más conocido por haber sido el primer tenor del Metropolitan Opera en Nueva York durante diecisiete años. El célebre director de orquesta italiano Arturo Toscanini, que dirigió algunas de las óperas donde Caruso cantó en el Metropolitan, le consideraba uno de los más grandes artistas con los que había trabajado. El repertorio de Caruso era de unas sesenta óperas, casi todas cantadas en italiano, aunque también cantaba en francés y en inglés (con un fuerte acento italiano).

Asimismo, tenía un repertorio de unas quinientas canciones, desde canciones napolitanas y tradicionales de Italia hasta temas populares de la época.

Por otro lado, fue el primer vocalista de la historia en realizar grabaciones sonoras de canciones. Durante su carrera realizó cerca de 260 grabaciones y ganó millones de dólares con la venta de sus discos de 78 rpm.
El 8 de abril de 1904, grabó Mattinata, una canción de Ruggiero Leoncavallo, la que se considera como la primera canción compuesta exclusivamente para ser grabada. Caruso y la industria fonográfica hicieron mucho para promoverse en las dos primeras décadas del siglo XX. Su registro de 1902 de Vesti la giubba, del Pagliacci (Payasos) de Leoncavallo, fue el primer disco con un millón de ejemplares.

Enrico Caruso muere en 1921 de una complicación de pleuresía, y fue enterrado en Nápoles. Como curiosidad, cabe destacar que sólo un film de 1951 ha intentado retratar su figura: El gran Caruso de Richard Thorpe, en la piel del actor y cantante estadounidense Mario Lanza, acompañado por Ann Blyth, supone una biografía convencional pero con atractivos.

En 1986, Lucio Dalla compone un tema dedicado al tenor, el famoso "Caruso". La canción hacía referencia a una de las últimas noches del cantante, ya enfermo.

A Lucio Dalla se le había estropeado el barco y en Sorrento sólo había disponible un lujoso apartamento en el Grand Hotel Excelsior Vittoria, donde Caruso vivió los dos ultimos meses de su vida y donde se conservaban intactos sus libros, sus fotografias y su piano. Angelo, que tenía un bar en el puerto le contó esta historia ...
Caruso estaba gravemente enfermo y sabía que tenía los dias contados pero eso no le impedía dar lecciones de canto a una joven de la cual estaba enamorado. Una noche de mucho calor no quiso renunciar a cantar para ella, así que, aun encontrándose mal, hizo llevar el piano a la terraza que daba al puerto y empezó a cantar una apasionada declaracion de amor y sufrimiento.

Su voz era potente y los pescadores, oyéndole, regresaron al puerto y se quedaron anclados bajo la terraza. Las luces de las barcas eran tantas que parecían estrellas o quizás las luces de los rascacielos de Nueva York...

Caruso no perdio las fuerzas y siguió cantando sumergiéndose en los ojos de la muchacha apoyada al piano.

Esa noche su estado empeoró.

Dos dias mas tarde, el 2 de agosto de 1921, moría en Napoles.

Esta canción narra el drama de esa noche... con luces y sombras del pasado... con muerte y vida...
un hombre enfermo que busca en los ojos de la muchacha un futuro que ya no existe...
un testamento de amor...este fue su ultimo concierto...
y este fue su excepcional publico... el mar, las estrellas, los pescadores, las luces de las barcas y su amada...

"guardò negli occhi la ragazza quegli occhi verdi come il mare poi all'improviso uscì una lacrima e lui credette di affogare"
Letra de la canción traducida:

"Aquí donde el mar brilla y el viento sopla fuerte
En una vieja terraza frente al golfo de Sorrento
Un hombre abraza a una muchacha después de que ella ha llorado
Luego aclara la garganta y comienza de nuevo el canto

Yo te amo tanto pero tu sabes tan tan bien [que]
Es una cadena que calienta la sangre de mis venas, sabes

Vió las luces en el medio del mar y pensó en las noches allá en América
Pero solo eran las lámparas y la blanca estela de una hélice
Sintió el dolor en la música, se levantó del piano
pero cuando vió la luna surgir de una nube
le pareció tan dulce como la muerte.

Miró en los ojos de la muchacha
aquellos ojos verdes como el mar
luego de improviso surgio una lágrima
y él creyó ahogarse.

Yo te amo tanto pero tu sabes tan tan bien [que]
Es una cadena que ahora calienta la sangre de mis venas, sabes

El poder de la lirica (opera)
donde toda tragedia es falsa
esa en que con un poco de truco y mimica
puedes convertirte en otro.

Pero dos ojos que te miran así, cercanos y verdaderos
Te hacen olvidar las palabras y confundir el pensamiento

Todo se vuelve tan pequeño,
también las noches en America
Te vuelves y ves tu propia vida
igual que el despertar de una helice.

Pero si, la vida ya termina
pero él pensó que realmente existe
De hecho ya se sentía feliz,
y recomenzó su canto

Yo te amo tanto pero tu sabes tan tan bien [que]
Es una cadena que ahora calienta la sangre de mis venas, sabes"
 
 
— con Ariadna Laberinto y Celia Valdelomar Codejon.

La última carta de María Callas



“En estos momentos terribles.
Sólo tú me quedas.
Sólo tú me tientas.
Última voz de mi destino.
Última cruz de mi viaje”

Versos garabateados por la soprano en italiano en un pequeño papel del londinense Hotel Savoy. Palabras desesperadas que pronuncia la heroína de la ópera “La Gioconda”, de Ponchielli, el primer gran éxito de Callas en Italia y una obra fija de su repertorio.

El destinatario de esas palabras no era el fallecido Onassis, sino su primer marido Battista Meneghini que nunca recibió la carta porque nunca llegó a enviarla. Apareció en el apartamento de la diva en París, aquel en el que pasaba horas, triste, en su autoexilio escuchando sus viejas grabaciones....

Para terminar, aqui queda el aria "suicidio" de la ópera "Gioconda", por María Callas




Por Celia VC

James Brown: El padrino del Soul



Y es que si algo tenía James Brown, ademas de ritmo y talento, eran apodos, asi además de "The Godfather of Soul" (El padrino del Soul) por el que es mayoritariamante conocido, tambien lo era por: "Soul Brother Number One", "Mr. Dynamite", "The Hardest-Working Man in Show Business", "Minister of The New Super-Heavy Funk" o "Universal James"

Por si no fueran pocos los apodos y los títulos, en 2003, el Secretario de Estado estadounidense Colin Powell, harto ya de aburridas sesiones contactó publicamente con James Brown para que presidiera una cena en la que se otorgaba unos premios a unos artistas y le dijo informalmente: "James, podría darte trabajo. Podrías servir en esas conferencias diplomáticas a las que tengo que ir, donde uno está sentado todo el día en reuniones interminables. Podrías animar las cosas al final del día, cuando estamos desesperados por conseguir un acuerdo en lo que sea. Abuelo, te nombro Secretario del Soul y Canciller del Funk". Sin duda, este hombre era capaz de animar un velatorio.

Con el nombre de James Joseph Brown, vino al mundo este talentoso músico un 5 de mayo de 1933 en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto le obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Sin apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y fue condenado por ello a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor, pero le encerraron y le juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, fue puesto en libertad y estuvo más de tres años en un reformatorio. Fue entonces cuando le acogió la familia de Bobby Byrd, el cantante que le lanzó al estrellato. Compartieron escenarios en el grupo The Flamous Flames.
 


En 1953 ingresó en el grupo de gospel The Starlighters. Con él en el grupo fueron transformándose desde el gospel al R&B. Tiempo después el nombre del grupo pasó a ser The Famous Flames. En 1955 publicaron el single "Please, Please, Please". En 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, "Try me" y en 1966 "It's a Man's, Man's, Man's World". El 24 de octubre de 1962 ofrecieron un concierto el teatro Apollo de Nueva York como nombre "Live at The Apollo" en el que participó el baterista Clayton Fillyau, quien adelantó en temas como "I've Got Money" los contrarritmos percusivos (influenciado del estilo de los bateristas del R&B de Nueva Orleans) que serían marca distintiva de Brown.

A partir de ese momento, los éxitos comenzaron a acumularse en su carrera, con títulos como "I´ll Go Crazy", "Think" (un tema ideal para bailar 'Monkey' y 'Shake'), "Shout and Shimmy" y "Prisioner of Love". Ya consolidado como una de las más brillantes y explosivas estrellas del Soul, no fue sino hasta 1965 cuando con "Papa´s Got A Brand New Bag" hace algo realmente original. La resaltación del ritmo sobre la melodía, una musculosa línea de bajo de Bernard Odum, compases en síncopa y el rasgueo de guitarra de Jimmy Nolan (ex guitarra del grande blanco del R&B de los 40s y 50s, Johnny Otis) haciendo de puente se hicieron notar en esta composición y también en "Cold Sweat" de 1967; dando a conocer masivamente el concepto del funk, ya premonizado por los trabajos sincopados de bateristas oriundos de Nueva Orleans tales como Cornelius 'Tenoo' Coleman (para Fats Domino), Earl Palmer (que tocó para uno de sus ídolos y máximas influencias, Little Richard y Joseph 'Smokey' Johnson quien tocó en el más claro antecedente funky pre-Brown, el tema "Trick Bag" de 1961.
 
El Funk fue una verdadera bocanada de aire fresco frente a la dulzona música para gente de color de entonces (doo wop y el estilo Motown), y además de un rescate de la herencia de la acidez urbana del Jazz y la poliritmia de los ritmos afrocubanos como la rumba y el mambo.
 


De hecho como dice el músico de James Brown, Pee Wee Ellis en el documental "Soul Deep", la línea de vientos de Cold Sweat "fue basado en una línea de un tema de Cool Jazz llamado 'So What?' de Miles Davis". Pero de mayor relevancia, fue el efecto energizante tras el Movimiento Por Los Derechos Civiles; como muy bien lo representó su hit de 1968 "Say It Loud I´m Black & Proud", todo un desahogo de puro orgullo negro que, no obstante, le valió su censura de muchas estaciones radiales racistas. Tras separarse del grupo con el que se dio a conocer, The Flamous Flames, por razones monetarias y de convivencia; James Brown comenzó en 1969 a actuar con una banda más joven originalmente llamada The Pacemakers y que para él de ahí en adelante los rebautizaría como The JB´S, con quienes ahondó más en las exploraciones rítmicas y sonoras, poniendo aún más acento en el primero de 4 compases (la fórmula funky por excelencia denominada The One) con la ayuda de los músicos Phelps y William Bootsy Collins, el trombonista Fred Wesley, el saxofonista Maceo Parker y su hermano en la batería Mel Parker. Bootsy, Fred y Maceo se unieron posteriormente a la cofradía espacial de George Clinton conocida como P-Funk. Con esta nueva alineación siguió consiguiendo nuevos éxitos: "Sex Machine" que fue nº1 R&B en 1970, "The Payback" álbum de multiplatino en 1974, "My Thang", "Gravity", "Papa don't take no mess", "Body Heat" entre otros.

En sus escarceos con el cine, participó en 1980 en la película "The Blues Brothers", junto a John Belushi y Dan Aykroyd, trabajando después en 1998 en la secuela del film "Blues Brothers 2000". En ambas, representó a un reverendo. En 1986 graba "Living in America", el tema compuesto para la película "Rocky IV".

En 1988 fue arrestado por exceso de velocidad y por consumo de drogas, período que fue aprovechado por productores de Hip Hop para samplear trozos de su música. Fue condenado a seis años de prisión, aunque salió de la cárcel en 1991. En 1996 falleció su esposa durante una operación de cirugía estética y en 1998 fue arrestado de nuevo por tenencia de armas y consumo de drogas, a los pocos días de haber salido de una clínica de desintoxicación.

En noviembre de 2006, Brown se presentó durante una ceremonia en Alexandra Palace, en Londres, en donde fue reconocido con su entrada al Salón de la Fama del Reino Unido, 20 años después de haber recibido un homenaje similar en Estados Unidos.

El domingo 24 de diciembre de 2006, Brown, el autoproclamado "hombre más trabajador del mundo del espectáculo", es internado en el Emory Crawford Long Hospital a causa de una neumonía que lo aquejaba. A pesar de los intentos de los médicos, el corazón del "padrino del soul" dejó de latir en la madrugada de Navidad de 2006 a la 1.45 AM, a la edad de 73 años. Su amigo y compañero Charles Bobbit se encontraba con él en el momento de su fallecimiento.
 


James Brown consiguió llevar sus modos de iglesia inspirados en el gospel al rhythm and blues, que en los años sesenta, ya con conciencia racial, se transformó en lo que se denominaría posteriormente como soul e inundó el planeta. Desarrolló el ritmo concentrado en estado puro que se bautizó como funk y que mantendría su gancho hasta el presente. En los setenta, el funk tuvo como hijo a la comercial música disco , el afrobeat de gente como Fela Kuti, y sirvió de base para la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de Brown como "Funky Drummer", "Give it up or turn it loose" o "Think" de su protegida Lyn Collins. Incluso muchos pasos de breakdance provienen directa o indirectamente de los frenéticos movimientos de baile (" The Boogaloo", "get down", "slide", "robot") a los que instaba seguir en temas como "Get On The Good Foot" de 1972.

Por llamarlo de alguna manera, el funk es una creación colectiva: todos los instrumentos se concentran en generar un cierto ritmo, a expensas de la melodía. James Brown tuvo la genialidad de implicar a instrumentistas imaginativos, muchos de los cuales siguieron productivas carreras en solitario: Alfred Pee Wee Ellis, Maceo Parker, Fred Wesley, William Bootsy Collins. Pero sin la visión de un genio como James Brown, es posible que no hubieran pasado de nombres para coleccionistas.

El rey del soul buscaba el momento adecuado para grabar: muchos de sus más grandes clásicos se hicieron en la carretera, entre actuación y actuación. No podía ser de otra manera. Brown se había ganado a pulso el título de "el trabajador más duro del mundo del espectáculo" debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más de 300 en sus buenos años. Le gustaba alardear de la afilada precisión de sus bandas, sometidas a disciplina férrea, rayando lo militar: multas por retrasos, descuidos indumentarios, fallos musicales; y si el culpable se resistía, podía llegar a ponerse violento.

James Brown fue declarado culpable de maltrato a su esposa en el año 2004, cuando tras una discusión la arrojó al suelo y amenazó con matarla. Tras pagar una sanción de 1.087 dólares fue puesto en libertad. Brown, fallecido el día 25 de diciembre de 2006 de un infarto al corazón en Atlanta, mantenía actualmente, según su esposa, una relación conyugal feliz con ella.

Cuando Brown murió mucha gente se echó a la calle para guiar su ataúd hasta el Teatro Apollo. Cuando murió, Tomi se encontraba siguiendo un tratamiento de rehabilitación: "Lo último que me dijo era que me amaba a mi y al bebé, nos veremos pronto", fueron las últimas palabras de James, según ha manifestado su viuda al Chronicle de Augusta. La negativa del abogado y el contable a permitir entrar en su casa a Tomi ha sido interpretada por ella como una agresión “Éste es mi hogar. No tengo ningún dinero. No tengo donde ir.”

Brown consiguió alcanzar una posición hegemónica durante la segunta mitad del siglo XX, el cual quedó marcado por la emergencia de la música afroamericana. Miles Davis tuvo más respeto pero nunca logró su impacto comercial. Su influencia en la música ha sido tal que músicos como Mick Jagger,The Who, Serge Gainsbourg, David Bowie, Prince, y Michael Jackson le han reconocido como un gran inspirador en sus carreras. Una vez dijo: "Lo que me conviene es desaparecer, llamando la atención lo menos posible.
 
Y ahora es el momento de escucharle:

La calidad no es la mejor pero se ve ese baile tan particular de James Brown. "I feel good"
 
 
"Sexmachine"

"It`s a mans world"


Y hasta nos enseña a bailar

Una Pizca de Cine, Música, Historia y Arte



Despues de un año de andadura por Facebook, nos decidimos a abrir este blog para recoger todas las publicaciones que alli vieron la luz y las que vendrán. La filosofía de nuestra página es condensar todo lo bello e interesante que se pueda cruzar ante nuestros ojos y hacer de la cultura algo divertido y sin almidones. Esperamos conseguirlo.